一些非主流乐队....

jmdf009

[center]Kent



Kent的音樂總能讓人聯想起黃昏、秋天的海灘、逝去的青春、久不見的朋友這些記憶裡的往事。為何這些有著無法理解的歌詞的音樂，卻能不折不扣地打動你？仔細想想，實在是件神奇的事。








某一種樂隊在你身邊始終只有少數人知道，類似祕密會社，成員加入的速度極為緩慢，社團始終打不響知名度。但你不特別擔心社團停止成長或腳步停滯，每當與人談起，你總是暗自竊喜，默默驕傲，甚至希望社團一直維持這種規模就好。知道的人多了會降低它的神秘感。好東西要與更多人分享，這句話在祕密會社是不適用的。Kent就是這樣一組樂隊。
Kent始終是迷霧裡的樂隊，我們撥開好幾層紗還是看不透他。來自瑞典，先天的語言屏障使Kent與英語系國家（或依賴英語資訊的其他地區）總是處著隔閡。他們曾將兩張專輯: Isola、Hagnesta Hill翻唱成英文版本，至於其他作品，包括最新專輯Du & Jag D?den都只有瑞典文版。官方網頁也一概是瑞典文，我們很難深入了解什麼。


但東拼西湊還是能理出一些簡單脈絡。Kent成立於1990年，主唱Joakim Berg與吉他手Sami Sirvio是學校舊識，樂隊成立後陸續招兵買馬，首張同名專輯只能算表現普通。但96年的第二張專輯Verkligen讓事情產生了轉機，這些帶著濃濃Radiohead式The Bends氛圍的音樂瞬間征服了瑞典，Kent終於踏入暢銷樂隊之林。02年發行的Vapen & Ammunition，光在北歐一地就售出了五十萬張，相當驚人的數字。
除了受到Radiohead影響，David Bowie與Depeche Mode也是Kent的重要精神食糧。Kent的音樂總是帶著濃濃的英國味，許多人將他們歸入Brit-Pop。但我始終以為他們的氣質是其他英國樂隊學不來的，Kent一向有自己的味道。







2000年的这张《Hagnesta hill》里，好像故意要摆脱radiohead的影子，不过，真正喜欢这张专辑的，还是那些慢歌，再这样一个夏夜，把自己浸入这首quiet heart，也许，你会找到一丝的平静。



Kent--Quiet Heart　
There was a time when I was lost in myself
You took my hand became my guide
There was a time you needed my help
I guess my Ego made me blind
It's not the rain it's not the streetlights
That makes your skin so pale at night
It's your quiet heart
And your silence
As your teardrops stain my sheets
Let's take a trip through the wires
Your dream is gone you are free
Stay free...
There was a time I had your life in my hands
And you had life left in your eyes
There was a time I caught your hiding inside
From something shining through the blinds
It's not the shadow by the red lights
That makes my skin crawl late at night
It's your quiet heart
And your silence
As your teardrops stain my sheets
Let's take a trip through the wires
Your dream is gone you are free
It's not the rain it's not the streetlights
That makes your skin so pale at night
It's your quiet heart
It's your silence
As your teardrops stain my sheets
Let's take a trip through the wires
Your dream is gone you are free
It's your quiet heart
And your silence
As your teardrops stain my sheets
Let's take a trip through the wires
Our love is dead you are free




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jmdf009

[center]Autumn tears


买Autumn Tears碟纯属巧合,去年有一次淘碟时看到了他们2004年的最新专辑,当时的一刹那跟其他一个乐队混淆了,带回家才发觉不是要买的那个,也没查资料就一直没拆封放在书柜里,不久前看到了一篇介绍,才知道这个乐队的一些情况,介绍给大家,多知道一个音乐流派吧......







新古典(neo-classical)是仙音乐派随时间发展的产物。顾名思义，就是采用古典音乐形式，融合现代乐器的室内乐，艺术歌曲等，摇滚气息已经十分淡薄。Autumn Tears是新古典的头牌乐队之一，由Ted和多才多艺的女子Erike组建于95年，并创立了独立黑暗厂牌DARK SYMPHONIES。其出版的Love Poems for Dying Children(给垂死孩子们的爱情诗)三部曲，是新古典主义歌特的不朽篇章。
受圣歌和古典音乐影响，Autumn Tears高度自信地合成了新古典管弦乐，为我们奉献了余音绕梁的歌剧般的声音。音乐的主体部分是管弦乐背景，还有混合着鼓和打击乐的反复不停的钢琴曲调。乐队拒绝一切摇滚戒条，只塑造忧郁的歌特风景。





在萧瑟的1995年9月，ERIKE（编曲，主音及背景和声）和TED（词曲，钢琴，键盘及主音）这两个孤独的灵魂走到了一起，AUTUMN TEARS这支后来被称之为“氛 围化DOOM”乐风的乐队由此成形。经过了一段时间的烨合与创作，这两个黑暗中 的灵魂在WEST SOUND录音室开始录制了他们的作品。
1996年4月，AUTUMN TEARS在他们自己的厂牌DARK SYMPHONIES（黑暗交响）下推 出了首张专辑“LOVE POERMS FOR DYING CHILDREN：ACT I”（献给垂死孩子们的 爱与诗歌）这张限量发行的专辑中带有浓厚的古典色彩，宗教圣歌、管弦乐章、交响史诗、 天使般的女声独唱等等元素十分突出，但它所散发出的情绪却是如此黑暗和绝望 ，做为歌词的诗歌中表达了一种永世无法解脱的孤独。这与DEAD CAN DANCE以及 THIRD§THE MORTAL等一起构成了当时黑暗乐坛上一道独特的风景。仅仅两千张的 发行量远远不能满足心灵被深深震撼的黑暗乐迷，为了满足大家的请求。AUTUMN TEARS在后来的日子里不得不推出了一个新的再版版本“LOVE POERMS FOR DYIN G CHILDREN：ACT I REPRISE MCMXCVIII”，所有的歌曲被重新录制，重新混音， 做为一个小礼物，在这张新版里，添加了一首新歌“THE INTERMISSION“（这是 由AUTUMN TEARS后来的成员JENNIFER LEE ANNA演唱的）。
97年的5月份，AUTUMN TEAR推出了他们的第二张专辑“THE GARDEN OF CRYSTALL INE DREAMS－LOVE POERMS FOR DYING CHILDREN：ACT II“（水晶梦花园－献给 垂死孩子们的爱与诗歌2）在这张专辑里，TED和EIRDA明显成熟了，驾驭音乐的能力更加细腻，同样在WEST SOUND录音室，同样是他们自己的厂牌DARK SYMPHONIES。在更精致的包装里，充 斥了更宏大的交响乐章。AUTUMN TEARS表达出他们抑郁内敛情感掩盖下的那种对 丑陋现实充分思考后的愤怒。那悲剧英雄的挽歌和易碎的希望。随专辑还附赠了 24页关于秋天的故事集。为了使更多的乐迷欣赏到自己的歌声，这张专辑交由独 立的发行公司来发行。
在ACT II发行后，ERIKA为了创作她的小说离开了AUTUMN TEARS。JENNIFER LEE ANNA凭借她丰富的经验和无比的创作力加入到了组合中。ANNA有六年的唱诗班演 唱的经历，还曾为联合国的音乐教师代表表演过.现在她是一名私人声乐教师和唱 诗班辅导员。
在1999年7月, AUTUMN TEARS发行了一张迷你专辑“ABSOLUTION”（赦免）其中歌 曲“THE ABSOLUTION OF WHAT ONCE WAS”原本是为PALACE OF WORMS的合辑“AR CANA TARST COMPILATION”创作的，但由于合辑发行的推迟，乐队决定将它收录 到这张MINI专辑中来。“THE NEVER”中的咏唱充分体现了ANNA的才华。而法语版 的“THE DANCE”更多的是乐队的一种实验。 “ABSOLUTION”（赦免）发行后，TED认为自己的组合与ARCANA有着相似的音乐理 解和背景及手法。他希望能够与他们更深入的合作。ARCANA的PETER和IDA听后很 感兴趣，因此他们四人（TED，ANNA，PETER，IDA）决定一起制作一个音乐剧“P ANDORA”（潘多拉），不久大家可能就会欣赏到这张有趣的联合专辑了。
1999年12月，ERIKA完成了自己的小说重新回到了AUTUMN TEARS，她希望重新猹始 工作，不过在2000年的秋天，她不得不再次离开乐队去完成她的学业，取得人类学学位。





沉寂了四年的Autumn tears终于出了新专辑.2000年吸血女魔的悲剧三部曲的最后一部推出时,还以为乐团的历史使命会就此终结(我想乐团的名字就是为这个三部曲而取的吧),乐团灵魂人物TED从此将会一心经营他的DARKSYMPHONIES公司.说来有趣,这个公司是知名的金属大厂,旗下几个在主流乐界都混得有头有脸的乐团均是金属风格.但公司老板自己的乐团却是个新古典/仙音氛围.当然,这并没有什么影响.我相信有不少新古典乐迷当初也是从97年开始听着三部曲过来的.现在回顾起来,也许会觉得他们当年的音乐相对单薄,编排似乎有些流于表面,过于倾向于取悦听者感官.但是考虑到Autumn tears的主流效应与黑暗交响公司当时的影响力,TED不可能将音乐做得非常自我化.其实转念一想,正是因为存在Autumn tears这样的乐团,才会有越来越多的主流乐迷开始接触新古典/仙音这种音乐风格.更何况乐团本身功力也不俗,并非全走主流新世纪毫无内涵的白开水路线.所以Autumn tears肯定可算是新古典,阴暗交响历史上一支非常重要的乐团,其影响力当不在ELEND,DARK SANCTUARY这些口味纯粹的阴暗迷所欣赏的大牌之下.
2001年,乐团曾计划过要推出新专辑ECLIPSE,并为此吸收了几个新成员,只是光有雷声未见雨点,一连几年也没有什么音迅,当时我感觉这个乐团已经走到了尽头.可惜现实永远跑在了我想象力前面.今年这张ECLIPSE终于还是发出来了,不但如此,它还是Autumn tears历史上感觉最华丽,技巧最精致的一张专辑.看来真是慢工出细活,而几个演奏原声乐器的新乐手看来也没有白吸收.Autumn tears应该已经把自己定位了一支主流乐团,从音乐技巧上,我已经挑不出这张专辑什么毛病了,一流的制作与录音,旋律定位也尽走悦人路线.在这张专辑中,伤感的悲剧色彩已减淡不少,阴暗感也在华丽的乐器渲染中变得若有若无了.大部分曲目给我一种场景化,配乐化的感觉,把它们直接送到一些古代题材的主流电影做OST,我相信也是很合适的.对于这样的变化,应该说也是没有什么不好接受的,Autumn tears本来就具有主流化的大牌气质,希望让更多的人接受自己的音乐,这是自然而然的事.而且整张专辑基本还是能把握好听与流俗之间的平衡.说它主流并不意味着它是一个没有任何价值的绣花枕头.无论是不是阴暗乐迷,我想对这张专辑都是可以接受的,至少不会到排斥的程度,除非是天生不喜欢旋律.
ECLIPSE的感情基调定位在了平静恬淡上,从开篇电影配乐化的合成器带出仙境般柔和的意境起,聆听整张专辑的情绪就被定格.第二首歌OPHELIA’S CROWN借用了贝多芬月光奏鸣曲的部分钢琴片段,人声与木管乐器的低音游走使感觉低沉了些,却也无多少伤感,唯有一些夜间孤独的静谧.接下来就沿着这个感情基调一直走了下去,再无大起大落.其实这张专辑给我的感觉是十分清新的,大量的原声乐器运用是原因之一.尤其长笛的运用,在我看来是ECLIPSE中的一大亮点,总是能在适当的时候出现,点缀的份量也是恰到好处,绝无一丝多余的徘徊.在单曲FLIGHT中,长笛牵动了全曲的主线.TED少见的加入了自己的清唱,但也是附和在长笛与合成器萦绕的氛围之上,这首歌的旋律特别出色,从看似低调的开头慢慢行进,在不知不觉中,渐渐产生一种温暖的感觉.后半部分,几乎是在感动中走完的半程.最后平静的收尾亦很难让我立即跳出感性的羁绊.整个专辑后半部分感情色彩稍微悲伤了些,一种平淡的忧伤,在多变的配器与动情的女声中被带到了全篇终结.
Autumn tears走过了2004年,也走过了三部曲的黑暗时代,以往合成器加女声的历史不会再现了.我没有详查这张专辑又是讲了一个什么样的故事.音乐本身已经足够场景化,如今精致而华丽的Autumn tears已经可以不再依附于音乐背后的故事来提升乐迷的兴趣.这样的转变并没有错,他们遵从了乐团自我的意愿.如果你是他们一个多年的乐迷,也许感情上有点转不过弯来,但对于一个普通的阴暗乐迷来说,这张专辑应该不算让人失望吧?



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jmdf009

[center]Cranes


轻渺的人声、旋律与喧吵低沉的吉他声响进行结合




Cranes是90年代早期的一支重要的trance-pop/shoegazing风格的乐队，他们的音乐是仙乐人声与喧嚣吉他旋律的混合物.其音乐的特点是将轻渺的人声、旋律与喧吵低沉的吉他声响进行结合。






Cranes乐队是由兄妹俩－Jim（担任鼓手）和Alison Shaw（担任主唱）于1988年在英国的朴次茅斯组建，2年后，吉他手Mark Francombe以及贝司手Matt Cope加入乐队。1990年，乐队以盒带的方式独立地发行了他们的第一张专辑《Fuse》，其后，当地的一个厂牌在同年发表了乐队的另一专辑《Self Non Self》并获得了不错的评价。以上两部作品促使了Cranes与英国Dedicated厂牌签订唱片和约，不久，乐队在该厂牌旗下发表第一张EP作品《Inescapable》，该EP使Cranes受到了许多关注，其中包括了Melody Maker媒体的封面报道，接着的第二张EP作品《Espero》也获得了评论界的一致好评，其中单曲还被Melody Maker评为了Single of the Week。






1991年，乐队发行了在Dedicated旗下的第一张专辑《Wings of Joy》，该专辑在大洋两岸皆获好评，乐队也有了相当的追随者，其中便包括了the Cure乐队的Robert Smith，Smith选择Cranes作为the Cure乐队的92世界巡演的开场，这使得Cranes进一步扩大了影响。1993年，乐队的第二张专辑《Forever》发表，该专辑没有引起多大反响，但是94年的《Loved》使Cranes乐队获得了商业上的成功。在1996年发表了限量作品《Tragedy of Orestes》和《Electra》后，Cranes发表了《Population 4》，但此时乐队的听众已开始减少，次年，乐队重又发行《Self Non Self》，此后乐队沉寂数年并重新定位其音乐方向。2001年的作品《Future Songs》脱离了乐队原来的音乐风格转而为一种梦幻流行乐之声。




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[center]Azure Ray






忧伤并不动人，但是美丽的忧伤却让人为之动容。在Azure Ray的歌声里我们常常什么都记不起来，只是一味得跟着她们沉溺在缥缈虚幻的氛围中。Azure Ray由两个来自美国南部的女生组成，梦呓般的唱腔更接近Mazzy star。他们从2001年出道以来，共发行了4张专辑，每张都保持了她们音乐上的独立专注态度。

乐队成员Fink Orenda,Maria Taylor舒缓忧伤的吟唱是她们最大的特点，美声犹如天籁。在2002年她们与Moby合作演绎了两首歌：成人摇篮曲《The great escape》和电子乐《landing》之后，她们在希腊发行了最近的一张专辑Hold on love,这首歌变选于这张专辑。听Azure Ray最好选在寂静的深夜，那时你才更能体会到她们歌声里飘然而至的忧伤.你偶尔也会发现Azure Ray身体里潜伏的双面幽灵：一点点喇叭，贝司和弦乐以及英式流行曲的旋律，让吉他缺席的“How You Remember”也流淌出Slowdive的迷幻意境。

Maria Taylor和Orenda Fink出生於美国乔治亚州Athens，两人十五岁时结识於阿拉巴马州立艺术学校，Maria主修芭蕾，Orenda主修戏剧 ，都对音乐保持强烈兴趣。毕业後搬到内布达加斯州Omaha 参加了power pop乐队Little Red Rocket，之後组成Azure Ray。所加入的独立厂牌saddle-creek，就像个大家庭，乐手都在两个以上的乐队演出，彼此熟识，相互支援，例如Azure Ray常与Bright Eyes巡回演出，让Omaha成为近年来美国中西部独立摇滚的重要基地。







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[ Last edited by jmdf009 on 2005-7-9 at 15:20 ]

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[center]Mercury Rev





Mercury Rev的音乐是如此与众不同，总在我们想象力之外的魔幻境域之中。在梦境一般的甜美里，通往天堂之门依然紧闭。那些企图穿越Mercury Rev声音花园的人总是以永远的失败而告终。'Little Rhymes'只是三分钟的短小旅程，环游在持续重建的欢乐禁地周围，正如主音Jonathan Donahue用歌声带我们走入旅程， "Stairs to nowhere climb/I take them all the time" ，在宏大华美的合唱 "Time's all mine"响起之前，呢喃声平静而断然。一个绝对意志的天才对天堂的惊鸿一瞥。

身居低调的Indie，Dream-pop/Noice-pop阵营中，Mercury Rev却制造了前所未有的大气作品Chains，Chains=主唱暧昧而悠远的唱腔＋Neil Young式的民谣旋律＋后朋克的阴沉鼓

击＋宏大的弦乐＋细腻的钢琴＋背景铺陈的吉他噪音墙。这个概念上的公式不足以表达音乐本身的意境，“你在寻找无拘无束的东西，但我知道你想要一副镣铐，我知道你不能得到”。Mercury Rev的歌词似乎更需要一副镣铐，它表达了太多隐晦而难以承受的事物。

部分歌曲中借用了哥特音乐的沉重氛围，由远及近的缓慢沉重的鼓击，逐渐演变成黑色的电子碎拍音效，你不用害怕会听到peter murphy那样冰冷阴沉的让你无法躲避无法哭泣的嗓音，主唱Jonathan的声音是轻柔，温暖而暧昧的，你会感到那种声音在你和现实世界之间涂抹色彩，窗外的空间开始在时间里无限拉神，偶尔一句无心的喃喃自语足以让你出神数分钟。歌词内容：“流淌过生活的纹路/伸出你衣袖的手掌/穿透你灵魂的风/是你所不能控制/你所不能了解/你所无法相信/你所无法逃离……于是你飞翔！/在阳光的表面/于是你飘流/在月亮的潮汐”……





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[ Last edited by jmdf009 on 2005-7-9 at 15:21 ]

jmdf009

[center]Devics


一种神话中将人们护送至昏暗的黎明深处的天使
一个来自加里福尼亚的独立摇滚乐队
一种声音，带着迷蒙与灰暗，自然而直指人心
一种力量，吟唱着黑夜的暗淡与哀伤却引导听者遇见温和的光明







我的美丽沉船－－小记加州独立乐队Devics
My beautiful sinking ship


　

注意“beautiful”和“sinking”这两个词，它们的组合不容置辩的证明Devics颓废的美学倾向。沉沦之美、废墟之美，这封旧时没落贵族的遗书如今为欧美相当一部分群体所持。他们生活富足或至少衣食无忧，他们热爱艺术并且在通往标准中产阶级乏味生活的道路上遭遇挫折或者直接抵抗。总之，他们选择了向下、向幻觉、向昏暗靠拢的艺术方向。


Devics正是挟着这朦胧与灰暗从阳光明媚的加利福尼亚州绽出地面的暗夜之花。聆听他们的音乐如同在观看一部色调微微发黄的旧电影，这电影或是发生在深夜无人问津的街区酒吧，或是在凌乱不堪暗喻了无言的结局的卧室，或在声名狼藉的草地上仰望宁静的星空，或在不断下沉的美丽航船上向往着海岸不无狰狞的岩石。我们看见女主唱Sara Lov不停的在镜头中被遗忘的角落忧伤的歌唱，用她甜美并郁郁寡欢的声音把听者们带入他们早已制好的暗调繁美之境。这说不尽的气态氛围里满布着看不见的感伤分子，如精灵般模糊不清的在你耳边游动。这巧妙的魔法使听者不能自持的低陷下去，却又茫然不知为何。


所谓艺术，正是把每个人都感受得到却无法诉说的情绪或思想表达出来的东西。而音乐恰恰生来就最具备摹写人类情绪的天赋。Devics的音乐表明他们的十年探索不断地的开启了音乐宝盒的动人能量，用并不复杂的配器和编排轻易地实现了他们暗调、大气的音乐理想。而他们在音乐中不断描摹的梦幻场景更是对进入新世纪后越发迷茫的人类内心暗处感怀小花的一矢中的。想想他们的名字，Devics，一种神话中将人们护送至昏暗的黎明深处的天使。





以Dustin O’Halloran和Sara Lov为核心的Devics于1993年成立于洛杉机，乐队成员还包括Ed Maxwell、Evan Schnabel。一开始就打算做自己的音乐的他们选择了独立摇滚的DIY路线。1996年，他们在以自己的资金注册的厂牌“Splinter Records”下推出了第一张大碟“Buxom”，如今只能在他们自己的网站上下载到一部分歌曲mp3的这张处女作，令人惊讶的告诉我们Devics在独立乐队如过江之鲫的美国从第一次亮相起就拥有了完善的艺术风格和出色的表现力。两年后他们顺理成章的把第二张专辑“If You Forget Me”送入还为数不多的追随者耳中。然而此时的Devics仍只是深陷地下的自得其乐又多少有点郁郁不得志的众多地下乐队中的一支，直到千年之交他们的EP“The Ghost in the Girl ”的推出，才使Bella Union公司盯上了他们。这张EP里或多或少带有迎合意味的歌特妖氛表明了乐队的微妙转变，也让他们浮出了水面。2001年，乐队在Bella Union旗下推出大碟“My Beautiful Sinking Ship”，赢得了相应的声誉。




把Devics分门别派是让人大伤脑筋的事，最好的办法还是称他们为独立摇滚。喜欢摆弄各类乐器的Dustin最擅长用键盘铺展出钢琴的舒缓层面，让Sara动人的嗓音伴着悠扬沉重的大提琴声自由游荡其上。他们的音乐决不矫揉造作，乐曲的排编干净利落，合成器的适当运用、细节上恰到好处的点染使他们制作出既大气又避免了过度华美的音乐。同时，Sara的嗓音也是他们的一件法宝。你可说她的声音不如Beth Gibbons凄婉奇诡或不如Elizabeth Fraser飘渺迷幻，但Sara却拥有她独有的声响魅力。听Sara的声音会使人产生她离你很近的感觉，就像站在你身后的地板上，时而低吟浅唱时而纵声高歌。她从不拿腔捏势，却偏偏能自然而然的把听者引入哀歌的世界。Sara与Dustin他们的结合很好的把握了哀情与伤情之间的尺度，一个暗淡的、blues调调的film music般的音乐迷墙被他们构建了，所有入住的居民将深陷入历史纵深般人类挥之不去的低颓情绪。







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[ Last edited by jmdf009 on 2005-7-9 at 15:22 ]

jmdf009

[center]Sigür Rós


也许国内的朋友认识Sigur Ros更多的是从第三张专辑《（ ）》开始的，Sigur Ros以简单的键盘、贝斯、吉他营造出的空灵，缓坠飘渺如初落雪花的冰凉质感，心神与其说是荡漾，不如说是陷入一种如涅盘般圆融无我的境界。 从轻如鸿毛的乐音开始，渐渐深入核心，终究留下重于泰山的感触。Sigur Ros的嚅嗫耳语，字字入心.....








关于乐队




岛乐队Sigur Ros（意为“胜利的玫瑰”）是由成员Jonsi Tor Birgisson（吉他/主音），Georg Holm（贝司），和第一任鼓手Agust成立于1994年。晚些时候键盘手Kjartan Sveinsson加入了乐队。在录制了乐队第二张专辑《Agaetis Byrjun》（满意的开始）后，Agust宣布退出乐队而从事他所喜爱的美术设计。Orri Pall Dyrason作为第二任的鼓手代替了他的位置。




Sigur Ros为广大的听众带来了如他们家乡那些独特、美丽而又充满生机的，自然景色一般的音乐。其美妙是不能用言语来传达的。虽然他们使用的是自创的冰岛方言（冰岛语本来就是少得不能再少的语种，再加上还是自创的方言，我想这个世界上也许就只有他们自己明白歌词的意思了。据他们在官方网站上的表示，他们已经邀请了一些权威的语言学专家为他们的歌词翻译成各国语言，但是由于他们在歌词中使用了许多冰岛语中的双关语，因而翻译目前还是遇到比较大的困难），所以对于他们的音乐，我们只能去感受，去猜测，因而一百个人就会有一百种不同的感受，可能这就是他们创作音乐的目的--自我感受。



Sigur Ros对于音乐的演绎是极具创造性的，这不仅体现在歌词上，而且还体现于一些个人性和发挥性的乐器演奏，从而获得前所未有的奇妙之音。例如Jonsi的拿手好戏就是用大提琴的琴弓去拉他的吉他，所以我们能在Sigur Ros的唱片里听到很多云雾弥漫般的奇特声效。而且他的声音更加是Sigur Ros中最突出的特点，他的假声演唱就如是THOM YORKE与唱诗班男童声的混合。



关于专辑



他们到现时为止在冰岛本土一共推出了三张专辑，包括处女大碟《Von》（希望），《Agaetis Byrjun》和最新的一张无标题的概念性专辑《（ ）》；一张混音专辑《Von Grigei》（回收站），最后还有一张有他们参与创作的电影原声Angel In The Universe（天国使者）。


第一张专辑《Von》十分具有实验与氛围电子的色彩，使得人们惊讶于这居然是一张处女之作。甚至很多人相信它是一张概念性的专辑，但是他们自己却没有证实这一点。


从第二张专辑开始，他们就开始摸索着前进了。这张专辑也使得他们声名大噪，同时使全世界音乐爱好者的眼光再一次聚焦于冰岛这块神秘的冻土。唱片最终在2000年的8月份于英国发行。然后通过MCA唱片公司推广到北美大陆。与英国唱片公司FATCAT签约后，Sigur Ros以其名义一并发表了两张单曲：“Svefn-G-Englar”（梦游者）和“Ny Batteri”（新电池）。乐队在2000年的下半年收到了世界性的高度赞赏，尤其在美国地区。这导致了美国的各大唱片公司疯狂地争夺他们的唱片发行权，并且把收购的价格越抬越高。最后，乐队选取了一间能够给予他们更大的艺术创作自由度的公司，这就是MCA。2001年4月乐队首次登上美国大陆进行巡回演出，大部分巡回演出区的表演票都立即被全部购空。大概是由于美国媒体的大肆宣传，很多当红名人都出现在他们的演出现场，这使得Sigur Ros受宠若惊。


第三张专辑《（ ）》甫一推出就如一声平地惊雷，因为它的封面或者封底里没有任何的歌名、乐队介绍，甚至连一丁点文字都没有除了在最后一面印上了乐队的官方网站之外，有的只是用磨砂牛油纸印刷的一些抽象而精美的意象画。因为这一次，他们更强调了听众的个人感会，他们带来了比前专辑《Agaetis Byrjun》更加黑暗、简约、原始和难以理解的音乐，反而随之而来的是更高的呼声。专辑在世界范围内都取得了优秀的商业成绩，在美国Billboard排行榜上甚至还取得过第52位的成绩




乐队推出过三个音乐短片，其中两首歌曲来自《Agaetis Byrjun》，一首来自无题专辑《( )》，他们的第一个短片《Svefn-G-Englar》在2000年的6月播放。在这个短片里乐队的成员和Perlan剧团一同演出，这个剧团的成员都是一些身患各种综合症的演员，但是他们在冰岛本地却时常演出。第二个短片《Vierar Vel Til Loftarasa》发行于相隔一年后的9月。这个不同寻常的短片设景于1950年，讲述了两个年轻男子的故事。短片的结尾是两个男孩子参加的一场足球赛事，但却笔锋一转，带来了出人意表的高潮。第三个短片是无题专辑的第一首曲目（我们可以在他们的官方网址中寻得此歌曲的名字为Aka Vaka），它是由备受尊敬的意大利导演兼摄影师Floria Sigismond执拍，在今年的3月发行的。这个短片的情节相当压抑与晦暗：想象一群孩子在末日降临后的旷野里玩耍，天空中弥漫着黑色的雪，他们都严严实实地穿上了保护服，并且带上了防毒面具，恍如暗示世界已经被污染所摧毁。

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mew




我们不知道如何像你们知道的那些人一样地玩音乐,所以我们做自己的.马上我们都明白我们有着不一样而且非常优秀的东西------主唱JONAS








也许是大自然的特性使然，寒冷的气候和似世界尽头般的地理位置，让北欧这片与世无争的土地总是能源源不断地向人们提供那些不食人间烟火美妙乐音——除了来自冰岛的Sigur ros和Mum,芬兰的Anna kaisa liedes，挪威的Aings of convenience以及瑞典的Club 8,这次为我们带来的礼物则是来自丹麦的Mew(海鸥)。


不同于他们风靡世界乐坛的同胞 ,Mew的声音永远那么的冷静内敛，不管是在如火花跳动一样的吉他噪音响起，还是主唱用那纤细而响亮的声音开始诉说某件事物，都会令人暂且忘记自己所处何时何地，并不由自主地随之伤感起来。



在丹麦的首都哥本哈根，音乐和电影方面共同的兴趣把Mew的四个年轻人联系到了一起。像所的有新生生命一样，他们现在的成就也并非一下所得，甚至花了相当一段时间来建立这个乐队并开始着手工作。“不过这种曲折的经历正好成了我们伟大的资产。”主音歌手Jonas Bjerre用他那一贯易碎并轻描淡写的语气说，“由于一直以来我们不会弹别人的歌，所以不得不考虑去弄一些自己的曲子出来，结果我们发现事情有了起色，我们做对了”。



听了jonas的说辞，我们似乎能大体明白Mew那与旁人不同的声音是如何来的。虽然运用了很多常人看似奇怪的音乐处理手法，但Mew却从来没有舍弃令听觉舒服这一前提，并且幸运的是，音乐声响起，就算jonas那标志性的童声还未到来，你也能听出这是谁在演奏。或许这是Mew独有的一种演奏方式把，看样子他们也打算将它进行下去。在他们的音乐中你能听到吉他贯穿始终却没有任何独奏段落，有钢琴却经常不踩延音踏板，复杂的节奏当然不可能存在，不过却时不时能听到一些贝斯和鼓好玩的切分，说Mew在不经意间为独立流行乐增添了光彩一点都不为过。如果有心，也不难在音乐中感觉到他们对Dinosaur jr及My bloody valentine这些前辈们坦诚的敬意。


早在签约主流厂牌Epic之前，Mew就曾在自资创办的Evil Office下发表作品。做出这样的举动并非因为Mew的音乐没有市场亲和力而得不到大公司的青睐，归根结底是因为丹麦这个远离尘嚣的国度唱片工业的失败。因此，深知自己已远远落后于世界步伐的Mew走出困惑，采取了积极主动的态度，为自己寻找一个机会。





艺人：Mew
唱片：Frengers
发行：Epic/Sony
时间：2003



在几张限量单曲推出获得评论界的肯定之后，随后的官方正式专辑《Frengers》呼之欲出，溢美之词也接踵而至。标题Frengers来自friend(朋友)和stranger(陌生人)两个词的合并，Jonas唱出的那些珠玲玉碎旋律贯穿专辑始终，曾作为单曲发行的《Am I Wry? No》作为开场曲在第一声就抓住了那些渴求怜悯的耳朵，让人不得不对这支团体刮目相看。



随后的歌曲《156》从歌词上看似乎和上一曲讲的同一个故事，都是关于无望的恋情。《She Came Home For Christmas》，美极了的一首节日歌谣，开头的钢琴一顿一顿的声音伴着Jonas的吟唱，让人不由自主地会拿他们与德国独立唱将Maximilian hecker作一番比较，评论界甚至认为，此歌应该获得年度no.1圣诞歌曲，其中讲了一个女孩圣诞节回家的经历，Jonas真是一个伟大的词作者，无疑他给予每一个失落的灵魂以安慰，并使我们得到救赎。



最后一首是长达九分钟的恢宏之作《Comforting Sounds》，Jonas一动不动地用动人的声音告诉我们他感到多么的不舒服，因为一些承诺总是无法兑现，即使两个人在一起，也无可避免地感到孤独。“迟钝又疲惫像所有人一样，真的，我曾试着避免这一切，如果现在回到童年，我们就知道什么时候该停下来，然而现在为时已晚，一切都不再纯洁，除了孤独”。 曲子伊始先是轻声的吉他，接着缓缓的旋律慢慢燃烧直到火焰填满了整个听觉空间，最后弦乐和高亢的合音相继并入，如冰川倒塌般滞重但却带着清凉感，为我们整张唱片的聆听之旅画上了圆满的句号。



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jmdf009

[center]La Oreja de Van Gogh

一切均如从前未有改变




Rosas
艺人名称:La Oreja de Van Gogh
专辑名称:《LO QUE TE CONTE MIENTRAS TE HACIA LA DORM》
唱片风格:Pop Rock
专辑语言:西班牙语
发行日期：2005
发型公司：环球唱片
来自西班牙的流行、摇滚乐队La Oreja de Van Gogh梵高的耳朵成立于1996年初。之前，Pablo, Xabi, álvaro和Haritz已在大学中认识。一天这四个年轻人人聚会在Ondarreta的沙滩上，想弹奏点什么来度过漫长的夏日午后。他们或翻唱或改编他们喜爱的歌手的歌曲，他们甚至敢于自己谱出自己最初的曲调。但是很快他们发现他们几个的演唱天赋都不特别高，他们还缺少一个歌手来演唱他们谱出的旋律。他们从身边的人中寻找，试用了好几个都没有找到满意的人选。后来Pablo一次偶然的机会遇见了Amaia，她正是他们寻觅之人，于是乐队从此变成了五人组合！此后的一年中，每星期下午五课后，他们都集合在起来进行练习尽管对音乐的知识还不是十分的了解，他们却有着极大的音乐梦想和热情。他们着手自己谱曲，一年后集成一个小集子。经过许多忘却娱乐、坚持不懈的工作，再加上凑出的一点钱，他们终于做出了自己的一张碟片样本。可这部辛苦的劳动成果只能被称为一部“真诚的作品 ，用标准的音乐人的眼光来看难有太多可取之处。不管怎么样，这对于他们的事业来说，已经打了局面。他们开始在朋友的酒吧里表演，并参加了第五届San Sebastián（圣塞瓦斯蒂安）城的Pop-Rock比赛。这次比赛对他们来说是一次挫折，他们没有获得任何奖。但失败并没有使他们气馁，他们继续努力工作，为下次参赛做准备。结果在第六届San Sebastián（圣塞瓦斯蒂安）城的Pop-Rock比赛上，他们一举夺得第一名。至今他们还记得颁奖时的情景，那是他们生命中最幸福的时刻之一。这次比赛的成绩是他们出了名，他们的歌曲得以在电台上播放。她么决定在国内在音乐碟片界碰碰运气。这时，令他们高兴的是，Epic/Sony Music公司看中了他们，并与他们签订合同，为她么录制了第一张专辑《Dile al Sol》这个乐队继续把他们的音乐事业当作一个游戏，一个严肃、但没有令人烦恼规则的游戏，在这个游戏中，音乐师除了创作和演绎之外，还能获得满足。乐队以其良好的先天素质，投身于音乐唱片商业运作中，并取得了他们和别人梦想的好成绩．与此同时，他们的友情从未受影响。Amaia是主唱，Pablo是吉他手，Alvaro是低音乐器手，Xabi是键盘手，Haritz是鼓手，一切均如从前未有改变。巡回演出并没有使他们疲倦，舞台上他们也没有争抢风头的烦恼，他们的愈加情投意合的合作是他们又创作出了12首新歌，这些歌曲令人震撼，尤其是使那些认为他们唱片成功只靠运气的人对他们刮目相看。至今这个乐队已发行了4000000张专辑，他们也稳坐于西班牙流行乐坛国际水平的至高地位.


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jmdf009

[center]Lake Of Tears
   


第一次听到这个乐队是那首属于他们的经典《Forever Autumn》,不经意间听到这首歌To Blossom Blue,沉醉,迷失......把这个乐队介绍给不太熟知他们的朋友,因为那个他们特殊又易记的乐队名字Lake Of Tears......







Lake Of Tears（泪湖）于92年5月成立于瑞典，成员：Daniel Brennare，Jonas Eriksson，Michael Larsson和Johan Oudhuis。他们录制了他们的第一个DEMO。DEMO于93年的春末完成。这个DEMO引来了Black Mark公司的兴趣。
加入Black Mark后Lake Of Tears开始制作他们的首张专辑《Greater Art》（更伟大的艺术）。 于93年12月在瑞典著名的Sunlight studio开始录制。这次录制的时间并不长。著名的Tomas Skogsberg和Mathias Lodmalm负责了这次的录音和制作。
95年3月Lake Of Tears又一次踏进了录音室，这次他们是为录制第二张专辑而来。《Headstones》（墓碑）在Wavestation studio开始录制。顶级大师Ulf Petersson的加入使得 Lake Of Tears的音乐事业得以更上一层楼。该专辑在听众和新闻中得到相当好的评价。Lake Of Tears从此声名大振。
在95年到96年其间Lake Of Tears足迹遍及欧洲各地。 和Vader, Tiamat, Crematory, Edge of Sanity, Savatage, Rage and the Gathering 这些乐队一起进行表演。96年也许是乐队最悲伤的一年。那年夏天乐队吉它手Jonas Eriksson车祸离队。
Lake Of Tears开始录制他们的第三张专辑《A Crimson Cosmos》（深红色的宇宙）。97年1月在瑞典的Soundtrade studios。这一次他们同Ronny Lahti合作。专辑的风格受着Pink Floyd的影响，加入了前两张专辑所没有的迷幻元素。不管怎样，这张专辑更加奠定了Lake Of Tears在乐坛的坚固地位。
之后Lake Of Tears加入新成员吉它手Ulrik Lindblom，他们在一起进行过几次演出。第一次和 Theatre of Tragedy 和 Heavenwood。另一次在Cologne和当地的一些乐队Tank, Raven, Hammerfall和Virgin Steele露天演出。97年秋天他们在Out Of The Dark音乐节和Crematory, Therion, Dark 和 Graveworm等著名乐队在欧洲巡回演出。Ulrik在Out Of The Dark音乐节后由于一些私人原因离开乐队。
99年6月，Lake Of Tears开始着手第四张专辑《Forever Autumn》（永远的秋天），Christian Saarinen的加入使这专辑多了更丰富的键盘音乐元素。专辑所有的歌曲都出于Daniel Brennare之手。这张专辑已经不太金属了。里面出现了许多非常慢速抒情的曲调。这也许是Lake Of Tears心情历程的写照吧。





To Blossom Blue
整日迷失在一个人的噩梦中,
在绝望中无助的寻找你,无论那里我都愿前往,
但是始终看不到你的身影.
我在孤独的黑夜痛哭,我焦灼的心在流血,
在这悲凉的花季,我的血泪已经干涸.
因为你已不在我身边,不再...
I'm bleeding in ways of the fire-burned
I'm crying in ways of the nightbird
No more is there one to lay by my side
I'm straying in nightmares all the time
A little something I know
A little somewhere I go
reminds me of you
To blossom blue
Is to blossom without you
To blossom blue
I'm breaking but I cannot bear to
I'm staring but I cannot see you
For no more are you to lay by my side
I'm weeping no more then this second time
A little something I know
A little somewhere I go
Where the sweet waters flow
reminds me of you
A little something I know
A little somewhere I go
Where the sweet waters flow
Where the mistletoes grow
reminds me of you
To blossom blue
Is to blossom without you
To blossom blue
Is to blossom without you


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jmdf009

[center]Tiamat


Tiamat 是巴比伦神话中的一位女神
狮身鹰翅蛇尾 后为天空之神Marduk所杀




TIAMAT ,你也可以不称其为乐队，因为乐队的方向一直都是由一个人把握着，而其他成员总是处于变动之中，这一点颇象大名鼎鼎的DEATH。乐队成立已逾十年.十年间乐队的风格不断变化，让人难以捉摸。早期是纯粹的死亡金属，后期乐队大量运用了合成器，电脑编曲，这一点最典型的代表就是乐队于1997年发表的专辑《A DEEPER KIND OF SLUMBER》。但是乐队的主题一直没有改变，就是表达一种阴暗失落的感觉，讲述一种没有希望的情绪。




好了，循序渐进，让我们一起来回顾一下这支传奇乐队的历史，一同步入那一个深邃的梦境。 1988年一支名为Treblinka的金属乐队成立了，这就是TIAMAT的前身。乐队的灵魂 人物则一直是Johan Edlund，十年前是，十年后还是，唯一的变化就是他的名字 ，以前他叫做Hellslaughter，从这里我们应该能够感受到一丝死亡的气息吧。随 着Treblinka乐队的两首DEMO《Crawling in Vomits》和《Sign of the Pentagr am》的发行，一家英国厂牌CMFT开始注意到这支乐队。也正是这家公司建议他们 把名字改成TIAMAT，这是古巴比伦创建时一位女神的名字，按照神话的叙述，这 位TIAMAT女神代表着陆地，曾经和天空之神MARDUK（也是当今一支黑金属乐队的 名字）展开过一场大战；还是电脑游戏Dungeons & Dragons 里一个长着五个脑袋 的龙的名字。所以今天如果你去YAHOO查询TIAMAT的时候，不仅能找到乐队TIAMA T，还能找到一堆游戏的链接。在CMFT旗下乐队发行了他们的第一张专辑《Sumer ian Cry》，当时的乐队成员是主唱/吉他Hellslaughter（就是Johan Edlund）， 贝司Jorgen ""Juck"" Thullberg, 吉他Stefan ""Emetic"" Lagergren 以及鼓手And res ""Najse"" Holmberg，其中吉他手还不是专职的。由于唱片公司对专辑推广发 行的情况令乐队感到不满意，而同时单曲《WINTER‘S SHADOW》又受到了Centur y Media的老板Robert的欣赏，于是TIAMAT顺理成章的来到了Century Media。不 过那家CMFT也是颇有心计的，在TIAMAT成名之后，乐队每出一张新专辑，他们就 会把《Sumerian Cry》重新发行一遍。对此Johan Edlund颇为无奈：“那家英国 公司”，他这么说起CMFT，“总是这样，我觉得每次我们发行一张新专辑，这家 拥有我们第一张唱片和约的英国公司就会把它再出个几千张，为了……，他们一 贯如此。你也应该明白，发行一张新专辑，以前的专辑就会跟着也卖掉一点，尽 管不多。”——其实也许是CMFT的状况不好，他们需要这样一笔收入，去扶持更 多的TIAMAT们，所以我想Johan Edlund没必要这样计较，毕竟如果没有CMFT为他 们发行《Sumerian Cry》，也许今天他们还在多特蒙德的某间酒吧内演唱呢。


签约Century Media之后，乐队招来了吉他手Thomas Petersson和鼓手Niklas Ek strand，有了第一个相对固定的阵容。在与制作人Waldemar Sorychta 和录音师 Siggi Bemm合作下，乐队发行了第二张专辑《The Astral Sleep》，这是一张优 秀的极端金属专辑，正是这张专辑令我下定决心放弃了METALLICA，也正是这张专 辑使我在打算为死域写点什么的时候，确定了目标。专辑的速度不快，结构不复 杂，技巧不花哨，但是旋律很优美，最重要的是专辑成功的营造出了一种黑暗绝 望的氛围，一种再无动于衷的人也会被感染的一种寂静苍凉的氛围，极端的死亡 金属之中溶入了凝重的歌特金属的感觉，“我愿意用我所有的专辑去换这一张专 辑”——这是那个夜晚我坐在音箱旁的全部感受，唯一的遗憾是当时是黄昏，而 不是黑夜，是我的身边还有一些麻木的耳朵，而不是我一个人。我听过很多让我 热血沸腾的金属，让我想砸毁身边一切的金属，但很少有让我激动到静止的金属 ，已经不是血液的沸腾了，而是灵魂的颤动，同很多金属乐队相比，这是一种灵 与肉的区别。有机会我们专门来谈谈这张专辑。


随后的1993年，乐队又推出了《 CLOUDS》，这张专辑的风格据说已经开始有些变化，预示出了未来乐队的走向。 此时乐队成员又有变动，增加了键盘手Kenneth Roos，同时由Johnny Hagel代替 了贝司手Thullberg. 1994年乐队做了一次巡演，发行了一张现场EP 《The Slee ping Beauty -- Live in Israel》。但是由于对乐队的发展不满意，Edlund解雇 了除贝司手Hagel以外的所有人，招来了临时客串的吉他手Magnus Sahlgren和鼓 手Lars Skold, 同时由制作人 Sorychta负责键盘，就是在这样一个临时的阵容下 ，





TIAMAT在1994年推出了名作《Wildhoney》，这张专辑使乐队在艺术与商业上 都获得了巨大的成功。在上一张《CLOUDS》中隐藏的激情这次全部释放了出来， 深刻的思想，凝重的歌特风范，在极端金属界内好评如潮，“死亡金属与PINK F LOYD的碰撞！”。专辑甚至卖到了墨西哥。的确，在这张专辑中我们可以感觉到 一些70年代的乐队——Pink Floyd, King Crimson对乐队的影响。“对，是这样 的，”乐队的灵魂Johan Edlund对此解释如下，“PINK FLOYD对我的创作影响很 大，我不在乎其他乐队在搞什么，什么音乐正时髦”。 1995年乐队发行了EP《G AIA》，重新混音编辑了四首《WILD HONEY》里的歌曲。并且进行了将近两年的巡 演。随后Edlund离开了他的祖国瑞典，定居于德国多特蒙德，因为乐队的大多数 专辑都在这里录制，“以前我都是回到瑞典埋头创作，等到我认为成熟了，再拿 来这里发表，不过现在再不用这样来回奔波了”。
　　虽然《WILDHONEY》取得了非凡的成功，但是Johan Edlund并不想让乐队就此在这 条由PINK作路基，死亡金属做路面的大道上一直跑下去，尽管前面可能是无限的 辉煌。大概是为了能毫无干扰的追求自己的梦想，Johan Edlund这次对外宣布“ TIAMAT的正式成员只有我一个人！”， 贝司手Hagel去了Cemetary，并参与了《 SUNDOWN》专辑的录制（后来Cemetary的贝司手Anders Iwers又来到了TIAMAT）， 鼓手Skold成了临时工，还有乐队的第二任吉他手Petersson也回来做了临时工。
　　曾有记者问他“我注意到你的乐队成员经常变动，我想知道在你内心深处是否真 的愿意拥有一支固定的可以合作的乐队？”Johan回答道“就创作而言，我不愿与 别人合作，我想这对于我来说根本没必要，我不想这样做，尽管有人告诉我与人 合作工作会更容易些，也许我应该多从不同的角度看问题，因为听取别人对你工 作的批评建议是很重要的，那样你不至于会对自己所做事情的过于自信，但是实 际上，我并不赞成这一点，我觉得如果我自己想做什么，并且很乐意这么做，那 就足够了。我不喜欢让别人来告诉我应该如何如何去做，我喜欢自己去寻找解决 问题的办法。当然为了其他人或许一件事可以做的更好些，但是我这么做是为了 自己，这一点很重要。我想表达的是我自己的感受，我当然可以把一首歌表现的 更好，比如我可以让Yngwie Malmsteen来弹吉他，世界上最好的鼓手打鼓，再找 个主唱来，可是这样根本表达不出我想表达的东西，这一点我觉得很重要。即使 有人可以帮助我一起创作出更受欢迎的歌来，我也不愿意，我只想做自己的东西 ，哪怕没人喜欢我所做的一切。如果乐队里的四个人都有着相同的观点，自然创 作就会容易的多。不过就我所遇到的问题而言，我觉得我找不到另外三个能和我 有相同看法的人，很难找”。

“解散”乐队之后的Johan Edlund在多特蒙德的家中建立了一个录音室：采样器 ，合成器，电脑等等，经常在深夜里，Johan Edlund一个人独坐于他的电脑前— —这一切似乎已经向我们预示了下一张专辑的风格。除了推出精选集《The Musi cal History of TIAMAT》之外，他很少与外界来往，埋头于个人的创作之中。“ 现在我不怎么见人。这样快有一年了。虽然我也不是成天工作，但当我工作起来 ，我不会去考虑别人怎么想我的作品，我不会限制我自己。我甚至不考虑大家会 不会去听我的唱片，所以我可以毫无限制的去创作，完全的剖析自己，就象在给 自己治病一样。我不清楚这样好不好，但是我必须这样做，这是唯一令我满意的 工作方式。或许也会有别人喜欢这样的，谁知道呢。”， “我在写歌的时候从来 不考虑什么商业意义，甚至和乐队都不沟通。我不在意别人是否会抨击我，那对 我来说没什么用处，什么也改变不了。我对别人的意见不太听的进去，所以外界 的评论左右不了我的唱片，我会毫无保留的把自己的思想表达出来，不管是什么 ，所有的一切，哪怕别人认为我很可怜或者怎么样。因为这就是我的工作方式， 要想做到对自己诚实，就必须暴露出自己的很多缺点。我不会去把自己装扮成别 的什么人，不过我倒是觉得很多乐队都在这样装扮，他们隐藏起自己的缺点，而 把音乐当作一种可以让他们显得更棒的手段，这对我来说毫无意义”。




终于1997年，《A Deeper Kind of Slumber》在Edlund位于多特蒙德的家中录制 完成，制作人是Dirk Draeger。这一次Edlund沉迷于电子合成器材的运用，专辑 中大量运用键盘与电脑编曲，还有一些印度乐器，而且专辑也完全成了Edlund的 个人创作集，专辑讲述了他个人的一些梦境，甚至还包括他吸毒之后的感受，色 调低沉。但是风格的变化并没有受到外界的批评，专辑得到的依然是如潮的好评 。不过也有一些《ASTRAL SLEEP》时期的歌迷难以接受这张专辑，他们开始抨击 起TIAMAT，面对批评，Johan Edlund回答说：“从第一张专辑开始，我们就一直 在表达同样的想法，只不过现在用了一种更加柔和的方式去做，因为我学到了很 多新的东西。如果你非要把自己局限成一个讨厌键盘的人，那你在听音乐的时候 会碰上很多问题，会错过很多好的音乐。如果你是因为喜欢音乐而去听音乐的话 ，你就应该多接触不同的音乐形式。歌迷想听到乐队的进步，我知道喜欢我们早 期专辑的歌迷会对新专辑难以接受，可我想事情总是这样变化的。当然别人的想 法也很重要，正因为有我们的听众，有那些购买了我们上一张专辑的人，新专辑 才能问世，所以我总觉得我欠了他们点什么。但是我所能做到的一切就是对他们 诚实，因此我就必须以自己的真实想法为基础去进行创作。如果听过我们上一张 专辑的人对新专辑还能一样喜欢，我会非常非常高兴，那对我来说意味着很多。 当然这并不代表如果有人说这张专辑很差劲，我就会很难过，我只会想‘好吧， 那你就不听吧’ 。但不管怎样，要是有人真正的喜欢它，我会更加自豪的。”




1999年,2002年发表新作 ,
　　
超过十年的历程，对于一支极端金属乐队，甚至是一支普通乐队而言都是一段漫 长的历史，多少的乐队来了又去。无论TIAMAT的音乐归宿多么备受非议，他们对 自身音乐梦想的不懈追求，对音乐领域的不断探索与创新，就已经构成了一段不 朽的传奇，足以令世人去纪念他们......







现播放曲 A DEEPER KIND OF SLUMBER
另一试听曲Gaia一词出自希腊神话，就是动画片“最终幻想”中一再提到的大地之母。本曲选自94年乐队的经典巨著《Wildhoney》，层层叠叠的音乐如茧丝缠绕，充满迷幻色彩和末世情怀。被称为黑暗金属和平克史诗的碰撞


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jmdf009

[center]lube


醇厚的男中音 优雅自如的俄语
暖 洋 洋 的 和 声诗化的歌词
一 切 没 有伏特加的浓郁激烈
但是有伏特加一般的香醇和温度







lube 一支来自俄罗斯的优秀乐队
他们歌唱俄罗斯的土地 人民与逝去的光荣史。
他们深情的歌声中饱含泪水 惆怅与痛楚 又带着俄罗斯民族特有的忧伤与旷远。



Lube 这个乐队的组成比较复杂。它的领导者是一位叫做igor matviyenko的作曲家，他负责乐队的作曲和管理，但是不参加乐队的演出。而歌词却是由一大群和乐队有着良好关系的诗人们提供的。主唱是nikolai rastorguyev，一位长相非常豪气的壮汉。每次他参加演出时，总是一身戎装，非常英武（这个穿军装的造型还是alla pugacheva给他提的建议）。键盘手，手风琴手V.Loktev ，贝斯手P. Usanov，吉他手S. Peregud，打击乐手A. Yerokhin，和声A. Kuleshov（我们一定不能够忽视这个和声者，他是lube重要组成部分。）
　　1989年1月，当俄罗斯的年轻人都沉浸在西方流行摇滚中时，igor　matveyenko和来自莫斯科郊区ljbuertsy的无名歌手nikolai　rastorguyev组成了lube乐队。在加入lube前，nikolai曾经在"Leisya, pesnya", "Rondo", "Shestero molodyh"等等乐队里演唱。在lube原来的主唱Sergei Mazayev 离开后，nikolai加入了lube。本来igor设想的主唱应该是瘦瘦的，而不是想nikolai这样敦实的汉子。不过，后来igor还是让他加入了，并且录制了几首歌曲，象“Ljubertsy”和"Makhno".
　　lube的名字来源于他们的家乡ljbuertsy（然而，nikolai一直认为自己不是来自ljbuertsy，他只在那里呆了五年。他的童年是在Lytkarino 度过的。）另外在乌克兰语中lube也是“每个人”的意思。在取这个名字前他们调查了当时其他乐队的名字，觉得许多乐队名字太甜，没有男人味，于是他们就取了lube这个听起来非常有男性特色的名字。
lube的歌曲中充满了怀旧和爱国的情绪。也许，许多听惯了中国的爱国歌曲的朋友听到爱国情绪这几个字眼可能会对lube的歌产生中国式的误解。其实，lube的歌曲就是纯粹的好听。它和我们中国式的爱国歌曲非常不同。对于自己的国家，他们用一种全身心的投入和无时无刻的热爱来表达。那种热爱洋溢在他们的歌曲中，看来他们真正做到了既好听又爱国的境界了。也许，爱国就是他们被歌迷们称为伟大的另一个原因吧。想想我们现在的歌曲能够做到这样的还真是少的可怜啊。
　　许多人分析他们的成功是因为他们用心地做着其他人试图极力回避的事情－－歌唱以及关注俄罗斯。





当戈尔巴乔夫的经济改革陷入困境时，lube的歌曲让俄罗斯人暂时忘却贫困。当犯罪在街道和政府部门出现时，人们开始怀念以前那个虽然不够富裕但是生活却多姿多彩的年代。就在这样一个年代，lube真正意义上的第一张专辑《atas》（watch out!）发行了。从某种意义上来说，这是一张讽刺戈尔巴乔夫的改革的专辑。
　　1992年，第三张专辑《kom》（大概意思是我们活得很糟吗？）出现。这是一张把过去的老歌重新混音的专辑。它的主题在专辑的封面可以略见一斑。一个老兵拉着手风琴，坐在长凳上，旁边是一辆二战缴获的德国汽车。
　　1993年，《zona lube》（溜贝地带），1996年的《kombat》(试听曲)让他们迅速走红。尤其是《kombat》这张专辑的发行正值车臣战争时期，它一上市就在很短的时期内占据了1996年俄罗斯唱片销量榜的首位.尤其和专辑同名的歌曲更是为广大俄罗斯士兵所喜爱。“kombat，little fatherour litter father,kombat,you didn't hide your heart behind some other guys back，kombat，litter father，kombat，behind us are Russia，Moscow and Arbat。”kombat是俄罗斯炮兵连指挥官名的俄文缩写。（个人猜想就是连长的称谓吧。）nikolai说他们之所以写这首《kombat》是因为纪念卫国战争胜利五十周年。这首歌曲勾起了许多老兵的回忆，同时也让人回想刚刚结束的第一次车臣战争的痛苦。
　　nikolai是一个忠实的beatles迷，多年以后，他和许多乐队一起录制了《Four Nights in Moscow》这张纪念beatles的专辑，并且取得了成功。
　　1997年的专辑《song for the people》（人民的歌曲）是lube最好的一张专辑。
　　1998年，lube出了一张现场版的专辑。2000年的《polustanochki》（小车站）继续继承了lube歌曲的风格。最喜欢里面的第八首《Pozovi Menya Tixo Po Imeni》，rastorguyev缓缓地用他那个充满磁性的嗓子演绎着一段动人的故事。而最后一首歌曲《Prorvemsja》中的口哨更是一绝。
　　*2002年，lube推出了 专辑《davay　da》。




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[center]Red Hot Chili Peppers

你绝对无法想象那种轻风拂面的聆听感受





◎全美现代摇滚榜史上单曲停留周数最久纪录保持人
◎《加州淘金梦》专辑创下全球1200万张销售佳绩
◎摇滚帝王一路荣获各大音乐奖项肯定
　*1999年告示牌音乐奖现代摇滚特别奖
　*2000年全美音乐奖最受欢迎另类音乐艺人
　*2000年MTV欧洲音乐奖最佳摇滚乐队
　*2000年葛莱美奖最佳摇滚歌曲得主、最佳摇滚团体和摇滚专辑提名
　*2001年葛莱美奖最佳摇滚歌曲、团体提名
　　自83年成军，成功跨越九十年代至今的洛杉矶四人乐队Red Hot Chili Peppers无疑是近二十年来最独树一帜的Metal-Funk/Punk-Funk乐队，甚至在毒品问题、队员逝世与更替等问题的考验下，仍能屹立不摇并获得葛莱美奖肯定更属难得。
　　多年来在主唱Anthony Kiedis与贝斯手Flea两位核心成员坚守岗位的领军下，我们见到Red Hot Chili Peppers如何揉和Black Flag、Fear、Minutemen、X等L.A. Punk影响以及源自早年Funk根源(如Parliament/Funkadelic、Sly & The Family Stone)的熏陶，带来Higher Ground、Give It Away、Suck My Kiss等爆发力十足的Metal-Funk/Punk-Funk名曲，91年时并在Rick Rubin (Beastie Bioys、Slayer)监制下祭出被公认为乐队风格最为强烈的经典名盘《Blood Sugar Sex Magik》，当然还不要忘了“Under The Bridge”这首曾被All Saints翻唱的慢板作品曾掳获无数乐迷的心，展现出乐队细腻柔情的一面。
　　在前Jane's Addiction吉他手Dave Navarro离队、《Blood Sugar Sex Magik》时期吉他手John Frusciante再度归队后所完成的99年多白金专辑《Californication》，在当时曾被喻为该乐队最旋律化的成熟细腻作品，而今天Red Hot Chili Peppers仿佛正要延续这样的创作取向，让这张新作《By The Way》展现出该乐队最为平易近人与Pop-Oriented的一面；即便让Flea一手招牌Funky Bassline进行驱动的首支单曲兼标题曲“By The Way”依旧展现了能量十足的Funk-Rock风貌，但这样的强悍作品在《By The Way》专辑中不过是昙花一现。吉他手John曾在访问中表示新作录音期间听了很多六十年代流行音乐，更真正投入The Beach Boys的音乐中，而这样的影响完全反映在“Universally Speaking”中――你绝对无法想象那种轻风拂面的聆听感受竟有如The Bluetones的作品般，让人回到Britpop的黄金好时光。
　　然后在John一手梦幻吉他弹奏铺陈下的“Dosed”，抑或有如这次“Under The Bridge”的“I Could Die For You”中，你会惊觉原来Anthony今日的成熟嗓音可以有如此的情绪感染力……。





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[center]Grant Lee Buffalo
   





Grant Lee Buffalo一直将自己声音发挥到及至，这也是大家都说的伟大李风格。有评论认为他的声音像"Lone Star Song" rock 。低沉声音甜美用在一个男歌手身上确实不合适，但这确实音乐评论家的意见
Grant Lee Buffalo是由灵魂人物Grant-Lee Phillips领军的九十年代初著名另类乡村民谣乐团，它成立于加州，与Uncle Tupelo同属这项运动祖师级人物。Grant Lee Buffalo在1993年便以处男大碟「Fuzzy」一鸣惊人，入选各大音乐杂志全年最佳专辑名单，同名单曲"Fuzzy"更是一首触动心灵的上乘慢板作品。在Grant-Lee Phillips細膩的編曲手法下，結合了Alternative Country的反璞归真以及Sadcore的低沉伤感。

[url=http://www.gzdesigner.com/musicbox/music/09-08-grant_lee_buffalo_-_we've_only_just_begun.mp3]点击试听[/url]

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[center]Mono







乐队：Mono 专辑：Formica Blues
风格：Electronica, Alternative Dance, Adult Alternative Pop/Rock, Trip-Hop, Club/Dance
公司：Polygram 时间：1997

乐队介绍
受到Cool Jazz、60年代的流行音乐和经典电影原声配乐影响，TRIP-HOP风格的2人组合Mono 由歌手Siobhan De Mare和制作人Martin Virgo于1996年在伦敦成立。在这之前Martin Virgo曾经是Nellee Hooper's制作室的成员之一，曾经制作过Massive Attack的“Unfinished Sympathy”和其它一些如BJork的Debut。Virgo和De Mare在1996年中期，制作了Life In Moon的唱片，并且在年底签约Mercury公司。在这之后，他们出版了他们的首张专辑Formica Blues，随后Mono又参与了一部美国电影Great Expectations原声配乐的制作工作，并获得好评。在英国发行6个月后，Formica Blues在美国1998年2月发行。

CD评价
兼具了Trip-hop、lounge、pop和电影音乐的元素，Mono的"Formica Blues"是一张惊人的新鲜的处女作品。制作人/作曲人Martin Virgo曾经和Nelle Hooper合作过，而nelle hopper则是90年代初的一位著名的舞蹈创作人。Virgo的音乐混合了60年代的风格和Trip-hop的前列节奏——有时候，你会感觉这些音乐像是St.Etienne的舞曲风格和Everything But The Girl的风格的中和。virgo 的作曲为Formica Blues添加了深度，而歌手Siobhan de mare的喘息式的唱风则更使这张专集显得精彩。
二人组合的Mono只出版了一张专辑《Formica Blues》，但是其存在的影响却无比深广，也许这个组合是临时形成，但是给乐迷带来的回忆却是永久。整张专辑节奏起伏跌宕，旋律委婉曲折，感性的女声轻柔委婉。

動人的音樂，令人心醉。當曲中所散發出美麗而哀傷的真摯情感，能夠化作晃荡於記憶迴路間的遐思悠悠，教人默然地感受（享受）著片刻的思潮起伏，才是最真實的感動。這份聆聽經驗是可遇不可求。今天，我們遇上了Mono 這個名字，也彷彿是那麼偶然。

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[center]Elend


唯美，不食人间烟火的新古典浪漫主义仙乐派双女主音
反复不断地咏颂着天使之音。
黑暗男腔如暗涌般四溢流动着各式的咆哮，撕吼和低嚎。
突如其来的口哨声和骇人尖叫总是不厌其烦的制造着恐怖氛围。
低鸣的小提琴音色与高啸的合成器声场相拥而泣。
独特的唱诗班和声错落于部分的融合与部分的混乱。
戏剧化的背景与歌特式的念力。
各种的工业噪音，环境音乐和金属敲击也被大量的融入交汇。
这就是来自法国的后浪漫派黑暗交响乐团。----
Elend
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Elend 的音乐，是最黑暗的。尽管Hieronymus Bosch（荷兰画家，作品主要是复杂及风格独特的圣画像，主要作品有《天堂乐园》《圣安东尼受诱惑》等）在他的三幅相连的画作快乐园中描绘出一个充满音乐的地狱,但ELEND已经用音乐在他们Officium Tenebrarum (黑暗的祭礼)系列中营造了一个活生生的地狱.
乐队来自法国。于1993年组成,最初两位成员分别是来自法国的Alexandre Hasnaoui和奥地利的Renaud Tschirner 他们都善长作曲和演奏多种乐器.随着女主音Eve-Gabrielle Siskind 的加入,乐队于1994年正式成立94年11月.Elend的Officium Tenebrarum 交响诗三部曲，是所有黑暗音乐的顶峰和极至。Officium Tenebrarum是罗马天主教廷迎接复活节的一种弥撒形式。弥撒开始时，祭司熄灭所有的灯火，仅隐藏一支点燃的蜡烛。教徒们以尖叫和喧闹象征耶稣死后的混乱，然后祭司出示点燃的蜡烛，象征基督的复活。是以此仪式又被称为“熄灯式”。17世纪后的法国，熄灯式所用的弥撒曲开始流传，并形成一个独立的乐派。Elend的三部曲以熄灯式弥撒曲为灵感，取材于弥尔顿的《失乐园》,以大天使Lucifer的反抗和沉沦为主题，完整的讲述了Lucifer堕入地狱成为撒旦的前前后后。 上穷碧落下黄泉，惊心动魄美仑美奂。


乐队在法国厂牌Holy旗下发表了他们首张专辑Legons de Tenebres(黑暗的教训)。Legon de Tenebres是三部曲的第一部，主题是上帝无情的拒绝和希望的破灭。这首Lucifer音乐上以小提琴和键琴为背景，天使的颂咏由女仙音用拉丁文和希伯莱文演唱，魔鬼的颂咏由男声用英文演唱。最后在瀑布般飞泻的华彩乐段中，Lucifer登场，以摧枯拉朽的怒吼宣告地狱之君的来临：






1995年,第二位女高音Nathalie Barbary于同年加入.1996年3月,ELEND 在HOLLY旗下推出了第二张专辑Les Tenebres du Dehors (外表的黑暗).Les Tenebres du Dehors 是Elend三部曲的第二部，主题是暴力和反叛。乐队在原有人员的基础上又增加了一位女高音。编曲更为复杂宏大。钢琴和小提琴编织的飘渺仙境中，两位女高音的咏唱如星光摇曳，交相辉映，美不暇接。同时阴暗无调式的男声尖叫咆哮纵横争鸣。听觉被同时向圣洁的天堂田园和烈火的炼狱深渊无限拉伸，最后紧紧拥抱，破碎的梦境，贪婪的杯盏，燃烧的花朵，不幸的果实... 波澜壮阔跌宕起伏。山无陵江水竭，永无休止的苦难也不改Lucifer的义无反顾。
CD装轸中有数幅精美的版画，出自19世纪法国浪漫主义画家 Gustave Dore 所绘的《失乐园》。



1996年,Eve-Gabrielle Siskind离开了乐队.由于Officium系列的头两张唱片取得了商业上的成功及外界的好评,令乐队赢得了国际音乐界的尊重.这一切引起了MUSIC FOR NATIONS公司的兴趣,并和他们签下了出版四张专辑的合同.Sebastien Roland作为副键盘手和音响工程师在1997年初加入乐队.在系列的最后一张唱片录制前Holy 公司在1997年6月发行了乐队的一张迷你大碟Weeping Nights .按最初的构想,里边只会收录些混音版的歌曲,但当乐队决定将一些与Officium系列风格不同的新歌加进去后,它成了一张独立的专辑.







1997年秋天,乐队的4名成员在伦敦开始录制系列的最后一张唱片The Umbersun(黑暗的奥秘).另一位女高音Aude Feuillerat在录音开始后不久加入了乐队.The Umbersun在沃尔夫录音棚录音，制作人是ELEND和Dominique Brethes （他也是The Beloved,Morcheeba,The Levellers等团体的监制）。一支由三十人组成的英国职业咏唱团参加了录制，他们彼此合作愉快，以善长演绎20世纪作曲家们（象Gustav Holst,Jonathan Harvey,Percy Grainger,Samuel Barber）现代的和古典的作品而蜚声国际。唱咏部分被分为天使的颂咏（由女高音以拉丁文和希伯莱文唱出的主部）和魔鬼的颂咏（由女低音和男低音以英文唱出的主部），外界评论为古希腊悲剧中的大合唱。这是黑暗与火的最终祭礼，灿烂如凤凰涅磐，然而瑰丽的燃烧过后却不是新生，而是万劫不复的死亡。面对Umbersun，任何文字都显得苍白无力，都无法形容这种灵魂的震撼。在此只能无言。


这张2003年的新专辑winds devouring men依旧延续着他们一贯的黑暗氛围，只是交响的运用已经减少了许多，但合成器依然是乐队的主角，并且融入了大量不同的音乐元素，比如提琴、工业噪音、金属的敲击等，同时人声也如乐器一般，鸣奏出不同凡间的音色。这次的Elend更加深沉了，整张专辑就如一部史诗般的歌剧，他们用愈发内敛的音乐去构建更加黑暗的空间，那个幽闭的不属于人类的世界。




Elend的音乐，不是每个人都能承受的，它不是让你调暗灯光手秉咖啡，资雅之余陶冶心情的。然而一旦当你穿越Elend音乐中的重重烈焰和无边黑暗，到达彼岸的一刻，你的心灵将无所畏惧。


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[center]Gay Dad





同志老爹Gay Dad，曾经被视为99年英国独立摇滚的的希望；不但是被NME音乐周报大力吹捧为「Future Of Rock Music」，The Face断言他们是「The best band since Oasis」，Select杂志更以「It's a miracle! Gay Dad resurrect British Pop」为标题做了长达7頁的大篇幅报道。虽然英国各大杂志报道Gay Dad时常只刊出主唱Cliff Jones (曾是Mojo、The Face的乐评)的照片，不过Gay Dad实际是个五人乐队，其他成员包括了貝斯手Nigel Hoyle、鼓手Baz、键盘手James Riseboro以及唯一的女性成员Charley Stone。97年成军的Gay Dad很幸运在短时间內获得London唱片公司的一纸合约，随后即开始大量的Live Gig演出累积人气；而他们于98年底率先以限量单曲"To Earth With Love"投石问路，并用Gay为乐队命名，順利地吸引了全国传媒的目光，成为99年英国最大的Media Hype。Gay Dad高举复兴摇滚乐荣誉的旗帜，宣称要唤醒人们对摇滚乐的信仰，乐队主唱Cliff Jones一心要向伟大的Queen(皇后)看齐，但他的热情对听着hip-hop、Blur和Take That长大的一代来说犹如对牛弹琴...






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[center]The Beautiful South





1989 组建于英国赫尔，来自 housemartins 乐队的 paul heaton 和 dave hemingway 是 beautiful south 的核心人物（均为主唱）。自从 1989 年的第 1 首单曲《song for whoever》登上英国排行榜第 2 位时，便显示了他们非凡的实力。乐队的鼓手也是前 housemartins 的成员 david stead，贝司手是 sean welch，heaton 的另一位写歌搭档是吉他手 dave rotheray，最值得注意的是，为乐队加入另一条声线的是女主唱 brianna corrigan。
　　《welcome to the beautiful south》是乐队的第 1 张专辑。在1990 年的第 2 张专辑《choke》中，brianna 和 dave 合唱的《a little time》是乐队著名的单曲，也成为排行榜的冠军。《let love speak up itself》也是 heaton 的最出色的表演之一。而 1992 年的《old red eyes is back》则描述了乐队的嗜酒史。不幸的是，一次在意大利观看球赛时，heaton 在撒丁岛突然失踪，为乐队的前程笼罩了一层阴影。虽然如此，乐队还是在 1992 年初出版了第 3 张专辑《0898》。
　　不久以后，brianna 离开了乐队开始了个人生涯。 1994 年初，乐队又加入了一名嗓音更加醇厚的主唱 jacqueline abbott。 abbott 在单曲《good as gold（stupid as mud）》和翻唱 harry nilsson 的《everybody is talking》中初次露面。 1995 年，第 4 张专辑《miaow》获得了巨大的成功，但不见得是最佳专辑。年底，他们又推出了一张精选集，一张高销量专辑《carry on up the charts》，它也确立了乐队在广播系统的巩固地位。 1996 年秋，乐队出版了新专辑《blue is the colour》。
其实The Beautiful South大可安安份份做一支走高格调路线的Pop乐队，首首作品造句俏丽，再配以三位主唱（paul heaton,dave hemingway及brianna corrigan）柔顺剔透的声线，然而偏偏这几位南方人不愿同流合污粉饰太平雕造空中楼阁，于是他们的作品在清新悦耳中总带有几分黑色幽默与荒诞不经。



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jmdf009

[center]Diary Of Dreams



没有醒来,没有睡去,我只是对那些贪婪愚蠢,那些名利的争夺感到劳累,根本无法做到...
爸爸你看,这就是我的努力,寻找内心的天使,你告诉我一定会遇到它.但这一次我又失败了...





Diary Of Dreams 是德国非常重要的黑暗工业乐团，其特点就是特别重视优美旋律和深邃的歌词，如果你喜欢Depeche Mode忧郁的电子节奏，喜欢sopor aeternus的凄美和诡异，那一定不要错过他们。
沉静,幽邃,冥想.梦日记的招牌乐风COLD-WAVE就是在这张花的凋零中确立的.淡化了传统GOTHIC ROCK气质,加入更加浓郁的冷电子元素.呜咽的男低音.冷淡的背景女声.大量合成器幻想音色与时而交错穿梭的迷幻吉他.构成了专辑的骨架.
Diary Of Dreams 着重渲染那种现代社会的疏离：他所撰写的歌词大多都是描写生活中无法亲近的孤独、无法交流的寂寞.丧失交流能力的痛苦.一种自我怜悯和悲泣.
一些歌词：
"妈妈你看,这就是我全部的人生.我竭力呵护那些花儿,但她们还是凋谢了.对此我无话可说.我努力描绘那些花儿.没有人知道为什么....
没有醒来,没有睡去,我只是对那些贪婪愚蠢,那些名利的争夺感到劳累,根本无法做到...
爸爸你看,这就是我的努力,寻找内心的天使,你告诉我一定会遇到它.但这一次我又失败了...
在这里我能感到你的注视,听到你的低语和谎言.我的兄弟告诉我:生死轮回.我问那些朋友,却没有人知道为什么
没有人会看到我的泪如泉涌,我不相信你将在这里找到我.没有人会看到我的泪如泉涌,我不相信你将在这里找到我
在一些时候找到这些诗句,写下它们并希望能够帮助我.赤脚走在碎玻璃的上面,象个初生婴儿般的脆弱.
所有人开始嘲笑我,我看到他们竖起手指.相信我这不是无病的呻吟,他是活在我内心深处的陌生人,
妈妈你看,这就是我全部的人生.我竭力呵护那些花儿,但她们还是凋谢了.对此我无话可说.只有跌倒睡去.没有人知道为什么....
爸爸你看,这就是我的努力,建造独自一人的内心世界,数百万花朵萦绕在我的床上.现在我却仍在这物欲的尘事苦苦挣扎....."

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[center]Blackmore’s Night





传奇式乐队Deep Purple和Rainbow的英国吉他手Ritchie Blackmore和他的妻子Candice Night组成的夫妻乐队 Blackmore's Night，唤醒了多少人的耳朵。神仙眷侣虽然年岁相差达26岁，但这并不影响他们对音乐的理解一致。Ritchie Blackmore从hard rock中抽身而和妻子共同步入美妙的world music, Renaissance, new age, folk领域，源自于Ritchie Blackmore的文艺复兴（Renaissance）情结。
Ritchie并没有完全放弃自己心爱的Fender Stratocaster，但这并不影响他 Blackmore's Night里用原声木吉他演奏出醉人的旋律，高超的技艺无处不在。Night清爽ethereal式的嗓音辅于各种中世纪乐器----曼陀铃，键盘， 锡哨，提琴，铃鼓，军鼓，手摇风琴等让人体验到从来没有过的美妙感受。Ritchie曾这样形容Blackmore's Night----"Mike Oldfield meets Enya."
Ritchie和Night初识是在1989年，当时Ritchie和他的Deep Purple跟Night所在纽约长岛的电台工作成员橄榄球队打比赛。Night过去是个职业模特，她曾在纽约科技学院攻读通信专业同时参加学校的电台节目。出于对文艺复兴时期文化的深爱，Blackmore和Night在分享经历的同时很自然并很快地成为了一对。
Blackmore's Night的最终组成，跟Blackmore以前的两个乐队是密不可分的。1993年Deep Purple的专辑The Battle Rages On...成绩相当糟糕，Blackmore伤心之余再次退出了Deep Purple。随后在1995年的Stranger in Us All中，Blackmore运用了高科技电子乐使得Rainbow再次充满活力，此时他更和很多不知名的音乐家进行了合作。这时，Night已经参与到了四首歌的歌词创作中来。Blackmore其实不想再把这些作品称之为Rainbow的作品，然而唱片公司的上层却固执的坚持只有使用Rainbow的乐团名字，唱片才可能在市场上获得更大的销售量。在Stranger in Us All之后，文艺复兴情结再次加深，Blackmore开始在家大量地练习这些多年来他深爱的但一直没有真正练习过的中世纪旋律，并下决心出这样的专辑，而 Night也开始在旁边伴着唱起来。这些天真无邪而又不正规的即兴动机正是Blackmore's Night的萌芽。
1998年，Blackmore's Night的第一张专辑Shadow of the Moon诞生。
1999年，专辑Under a Violet Moon里"Play Minstrel（游方诗歌演唱者）Play."中增加了Ian Anderson的长笛演奏。作品更趋成熟。
在完成巡回演出后，Blackmore又开始写更多的快乐而颇具舞台剧色彩的作品。
2001年，Minstrels and Ballads完成并于同年11月发售。
Blackmore's Night:Shadow of the Moon (1998)
他们的第一张专辑。给人的感觉是一种新鲜感。扑面而来的中世纪之风，而不同的是，他们的风格更显得明快而不是阴暗。
Blackmore在专辑里担任大多数乐器的演奏，包括吉他贝斯，曼陀铃，鼓，和铃鼓！Night的声音虽不是那种很power的，但她的清新甜美打动了很多人的心。繁多的中世纪乐器配合不显凌乱却更突出了folk的气质。大部分的歌曲都是纯正的民谣，旋律非常上耳。
"Shadow of the Moon"作为开篇，是个惊喜：）它旋律容记而层层推进。Blackmore让电吉他静静地滑入清音吉他为主的背景中，营造了柔弱却又不失力量的气氛。"The Clock Ticks On"中宏伟的喇叭声让人迷糊中似乎穿越过时间隧道回到美好的过去。
"Play Minstrel Play"中有了Ian Anderson的加盟。歌曲在前半部分欢快的旋律叫人无法预见后半部的狂乱的掌击和Anderson的狂野长笛Solo。出乎意料的事情往往叫人心醉：）而"Ocean Gypsy"则是一首充满了暖意的new age作品。
这个夏天Blackmore高速而轻快的原声吉他和Night那仙音唱腔给人们带来一丝清凉的变化快感。半夜聆听，有助睡眠：）
Blackmore's Night:Under a Violet Moon (1999)
Blackmore's Night继续他们的Renaissance/new age的诠释。在这个专辑中，相当多的不知名的音乐家加入到演奏中来。相对 Shadow of the Moon，这个专辑又多了一份成熟，且元素更丰富。这个专辑的黑暗旋律明显比上一张专辑多。也是在他们三个专辑中我最喜欢的专辑。Night的演唱显得有些快速，配以掌击和铃鼓也令人叫绝。 "Past Time With Good Company"是一首象亨利八世致敬的歌曲，由于喇叭的使用显得比较“硬”点。"Morning Star"的旋律则使人有点眩晕感。"Wind in the Willows"中加入了贝斯手 John Ford的人声，也很有趣。"Gone With the Wind."中Blackmore添加的电吉他SOLO不显别扭。
最喜欢的要数"Beyond the Sunset" 这首了，里面仿佛有点SPACE的虚幻感如浮在星空之间的梦幻感，平滑的new age旋律，一个字---爽！而"March the Heroes Home"也是一首相当不错的和上一首有同样妙处的作品。Blackmore轻快的原声吉他精密配合着提琴奏出"Spanish Nights "也给我留下相当深刻的印象。



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